THE POOL NYC presents Morbide Macchine Silicee, Maria Grazia Rosin’s first solo exhibition in Milan.
Conceived as a dynamic and intermittent project, it unfolds from April 9th to July 16th, 2026, at Palazzo Fagnani Ronzoni, with a format structured around two solo exhibitions presented at different times.
The first act, conceived as a flash mob in support of glass, opens on April 8th and runs through April 17th.
Rosin revisits her monumental work Gelatine Lux, originally shown at the Museo Fortuny in 2007, sharing with the public the idea that glass can never be fully controlled. In doing so, she reveals its expressive autonomy and seductive force, shaped through principles of flexibility and modulation. This silicon-based material takes form through continuous motion, retaining a component that is never entirely static.
The installation Gelatine Lux is conceived as a single, large living organism made of water, with bioluminescent alien forms that function as its nervous system.
These creatures take on primitive, timeless biomorphic shapes, evoking oceanic depths and extraterrestrial outer space. They are immersed in an accelerated, fluid motion—like water, plankton, cosmic dust, and suspended particles.
Morbide Macchine Carnivore is presented directly from the Island of San Francesco del Deserto to the heart of the 5 Vie district.
Organic and artificial creatures, inspired by long, sinewy insect-like legs, embody genetic mutations unfolding in the Venetian lagoon. What we see is only the emergent part of beings that have developed under new and extreme ecological conditions. Iridescent green limbs, marked by altered genetic traits, extend from the water, suggesting bodies concealed from view—submerged and partially sunken into the mire.
New works, yet drawn from the Tentacular series, beginning with the octopus, the Venthusiani are modular elements, precious and ever-shifting, in which marine forms and suggestions merge without functional constraints.
The exhibition, animated by the light of Murano and the Venetian Lagoon, also speaks through the photographs of Mario Cresci and Roberta Orio. Cresci, through his abstract images, captures Rosin’s imaginative installation at Palazzo Fortuny, while Orio traces the conceptual and creative development of the Water Art project Morbide Macchine Carnviore.
From May 20th to July 16th, the second act of Maria Grazia Rosin’s solo exhibition unfolds, celebrating glass also in its more domestic and ironic dimension.
The exhibition will be accompanied by a critical text by Grazia Quaroni.
Why the sky above belongs to everyone,
and the earth below doesn’t?
The sky belongs to every eye,
and if it likes, each and every one,
can view the moon entirely,
the stars, the comets and the sun.
Every eye can view everything
and nothing is ever lacking there:
the last one who looks at the sky
does not find it less shining.
So please explain to me,
in prose or even verses,
why the sky is only one
and the Earth is all in pieces.
The nursery rhyme “The sky belongs to everyone” by Gianni Rodari inspires Giuseppe Stampone’s solo exhibition at THE POOL NYC gallery in Milan.
Why the sky above belongs to everyone, and the earth below doesn’t?, ironic title, stresses on a view of the sky, imagined as a free space compared to the earth, inhabited by man and therefore divided into private lots. In fact, the sky, which in a less poetic way is called airspace, belongs to the states and is managed accordingly. Dominus soli est dominus usque ad sidera et usque ad inferos (the owner of the land is owner to the underworld and up to the stars) is stated in a Roman Law maxim, slightly mitigated in article 840 of the Italian Civil Code.
If you look in a more attentive way, perhaps with a telescope, you realize that the sky goes even beyond the air routes and that includes the orbits of the satellites, that are occupied, in the sense of occupatio rei nullius (occupation of the nobody’s thing: nobody’s or everybody’s ?) of Roman law, by rich countries to the detriment of the poorest ones. The latter, as of today, do not have the technologies to exploit them. Certainly they will soon have no more available sky.
With this exhibition, Giuseppe Stampone revolutionizes the sky, regenerates it, creates a new one, without political constraints, boundaries, rules: he frees the oil on the foam, chases and lets the blue flow, creator, make up of a new independent firmament. Stampone gives dimension, length, width, density, gives shape to the desire for freedom of man.
The artist shows us another sky, allowing us to buy some of the freedom we see when we look upwards, allowing the viewer to take home a fragment.
The freedom of the great spaces, of the deserts that are not only those of sand but also of water, the oceans, and of air, the sky.
In Giuseppe Stampone’s sky you can abandon yourself without asking for permissions, protocols, or authorizations. You do not need passports to travel in the Stampone’s skies that are free from geopolitical canons.
Man by right is the owner of the sky, but he does not notice that it is taken away from him. Thanks to art we make a sky that belongs to us, a swish of wings that are freed in the painted blue, an absence of borders, walls, customs, absolute freedom, infinite possibilities.
Stampone underlines the importance of the performative gesture with oil painting, intended as a liberating act that allows us to reflect on the current issue of spatial georeferencing.
If it is true that the earth tends to lose its diversity, we risk that the sky reflects the earth more and more.
As in every new project, the artist creates the architecture of intelligence, a participatory platform, where he unites mind, body and space, mind, body and network. In this case his network, as he has been doing for years, is made up of artists who share their work and participate in a common project. In a globalized and homologated era the uniqueness of each identity becomes indispensable to recreate a world that is both shared and unique.
For Why the sky above belongs to everyone, and the earth below doesn’t? Giuseppe Stampone asked Paola Angelini, Luigi Carboni, Fabrizio Cotognini, Matteo Fato, Ugo La Pietra, Maria Morgagni, Marco Neri, Paolo Parisi, Alfredo Pirri, Eugenio Tibaldi, Gian Maria Tosatti, giving spatial coordinates (30×40 cm), to create a possible sky.
Giuseppe Stampone, 1974, Cluses, France Lives and works between Bruxelles and Rome. Giuseppe Stampone alternates drawings made with BIC ballpoint pen and multimedia installations. His art is a form of political protest and invites the public to reflect on fundamental issues such as immigration, water shortage and war. He established solstizio.org, co-funded by the European Union and developed in various countries, based on artistic interventions in which the new generations deal with global contemporary issues such as environment, social conflicts and sustainable economies. In Solstizio Stampone realized several installations in public spaces with the participation of 30,000 citizens of ten different nations. He collaborates with a number of universities such as the Academy of Fine Arts in Urbino, IULM in Milan, the Federico II University of Naples and the McLuhan Program in Culture and Technology in Toronto. From 2017 he is an Affiliated Fellow of the Civitella Ranieri Foundation of New York and from 2013 of the American Academy of Rome. His work has been exhibited in several Biennials, museums and international foundations including: Architecture Biennial of Seoul, South Korea (2017); Triennale of Ostend, Belgium (2017); 56th International Art Biennale of Venice, Cuban National Pavilion (2015); Biennale of Kochi-Muziris, Kerala, India (2012); 11th Biennial of Havana, Cuba (2012); Liverpool Biennial, UK (2010); 14th and 15th Rome Quadrennial (2004-2008); Fuori Uso, Pescara; Kunsthalle Museum of Art in Gwangju, South Korea; BASE, Florence; Wilfredo Lam Contemporary Art Center in Havana, Cuba; MAXXI, Rome; MACRO, Rome; Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin; Triennale Bovisa, Milan; The Invisible Dog Art Center, Brooklyn, NYC. Giuseppe Stampone’s solo exhibitions in museums include: CIAC, Foligno (2018); GAMeC, Bergamo (2014), National Institute for Graphics, Rome (2015), Palazzo Reale, Milan (2014).
Since 2014 THE POOL NYC has presented his work in several group exhibitions, and this is the first solo show with the gallery.
PERCHÉ IL CIELO È DI TUTTI E LA TERRA NO?
Il cielo è di tutti gli occhi,
e ogni occhio, se vuole,
si prende la Luna intera,
le stelle comete, il sole.
Ogni occhio si prende ogni cosa
e non manca mai niente:
chi guarda il cielo per ultimo
non lo trova meno splendente.
Spiegatemi voi dunque,
in prosa o in versetti,
perché il cielo è uno solo
e la Terra è tutta a pezzetti.
La filastrocca “Il cielo è di tutti” di Gianni Rodari ispira la mostra personale di Giuseppe Stampone negli spazi di THE POOL NYC a Milano.
Perché il Cielo è di tutti e la terra no?, titolo ironico, pone l’accento su una visione del cielo, immaginato come spazio libero rispetto alla terra, abitata dall’uomo e per questo divisa in spazi privati. Infatti il cielo, che in maniera meno poetica viene chiamato spazio aereo, appartiene agli stati e da questi è gestito. Dominus soli est dominus usque ad sidera et usque ad inferos (il proprietario del suolo è proprietario fino agli inferi e fino alle stelle) recitava un brocardo di diritto romano, recepito in modo più mite dall’articolo 840 del Codice Civile.
A ben guardare, magari con un telescopio, ci si accorge che il cielo va anche al di là delle rotte aeree e che comprende le orbite dei satelliti occupate, nel senso della occupatio rei nullius (occupazione della cosa di nessuno: di nessuno o di tutti?) del diritto romano, da paesi ricchi a discapito di quelli più poveri. Questi ultimi non hanno le tecnologie per occuparle. Certamente presto non avranno più cielo disponibile.
Con questa mostra, Giuseppe Stampone rivoluziona il cielo, lo rigenera, ne crea uno nuovo, autonomo da costrizioni politiche, da confini, da regole: libera l’olio sulla gommapiuma, rincorre e lascia scorrere il blu, creatore, compone un firmamento nuovo e indipendente. Stampone dà dimensione, lunghezza, larghezza, densità, dà forma al desiderio di libertà dell’uomo.
L’artista ci mostra un altro cielo, lascia che sia possibile acquistare un po’ di quella libertà che vediamo quando guardiamo verso l’alto, consentendo allo spettatore di portarsene a casa un frammento.
La libertà dei grandi spazi, dei deserti che non sono solo quelli di sabbia ma anche di acqua, gli oceani, e di aria, il cielo.
Al cielo di Giuseppe Stampone, libero da canoni geopolitici, ci si può abbandonare senza chiedere permessi, protocolli, o autorizzazioni.
L’uomo per diritto è proprietario del cielo, ma senza che se ne accorga questo gli viene tolto. Grazie all’arte ci riappropriamo di un cielo che ci spetta, un’assenza di confini, mura, dogane, libertà assoluta, infinite possibilità.
Stampone sottolinea l’importanza del gesto performativo a olio, inteso come atto liberatorio che consente di riflettere sull’attuale questione della georeferenziazione spaziale. Se è vero che la terra tende a perdere le sue diversità, rischiamo che il cielo rifletta sempre di più la terra.
Come in ogni suo nuovo progetto, l’artista crea l’architettura dell’intelligenza, una piattaforma partecipativa, dove unisce mente, corpo e spazio, mente, corpo e network. In questo caso il suo network, come fa da anni, è formato da artisti a cui chiede una formalizzazione partecipativa da condividere. Per Stampone la pratica della partecipazione è una fase determinante della ricerca per creare e discutere di contenuti dove l’io di ogni singolo artista diventa Noi, ma dove il Noi non annulla l’identità del singolo e ogni artista condivide il proprio diario intimo. Per Stampone un network è un’area di interesse dove ci si riconosce e quindi si decide di pubblicare il proprio diario. In un’era globalizzata e omologata l’unicità di un’identità di un io diventa indispensabile per ricreare una cosmologia condivisa e unica nella sua rappresentazione.
Per Perché il Cielo è di tutti e la terra no? Giuseppe Stampone ha chiesto a Paola Angelini, Luigi Carboni, Fabrizio Cotognini, Matteo Fato, Ugo La Pietra, Maria Morgagni, Marco Neri, Paolo Parisi, Alfredo Pirri, Eugenio Tibaldi, Gian Maria Tosatti, dando coordinate spaziali (30×40 cm), di creare un cielo possibile.
Giuseppe Stampone, 1974, Cluses, Francia.
Vive e lavora tra Bruxelles e Roma
La produzione artistica di Giuseppe Stampone alterna disegni fatti con la penna Bic e installazioni multimediali. La sua arte è una forma di protesta politica ed invita il pubblico a riflettere su temi fondamentali come l’immigrazione, l’acqua e la guerra. Ha fondato il network solstizioproject.org, co-finanziato dall’Unione Europea e sviluppato in vari Paesi, basato su interventi artistici in cui le nuove generazioni trattano temi contemporanei globali come l’ambiente, i conflitti sociali e le economie sostenibili. In Solstizio Stampone ha realizzato varie installazioni artistiche in spazi pubblici con la partecipazione di 30.000 cittadini di dieci diverse nazioni. Collabora con varie Università come l’Accademia di Belle Arti di Urbino, lo IULM a Milano, l’Università Federico II di Napoli e il McLuhan Program in Culture and Technology di Toronto. Dal 2017 è Fellow della Civitella Ranieri Foundation di New York e dal 2013 della American Academy di Roma. Il suo lavoro è stato esposto in diverse Biennali, musei e fondazioni internazionali tra cui: Biennale di Architettura di Seoul, Corea del Sud (2017); Triennale di Ostenda, Belgio (2017); 56ma Biennale Internazionale d’Arte di Venezia, Padiglione Nazionale Cubano (2015); Biennale di Kochi-Muziris, Kerala, India (2012); 11ma Biennale de L’Avana, Cuba (2012); Biennale di Liverpool, UK (2010); 14ma e 15ma Quadriennale di Roma (2004–2008); Fuori Uso, Pescara; Museo dell’Arte Kunsthalle di Gwangju, Corea del Sud; BASE, Firenze; Wilfredo Lam Contemporary Art Center di L’Avana, Cuba; MAXXI, Roma; MACRO, Roma; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Triennale Bovisa, Milano; The Invisible Dog Art Center, Brooklyn, NYC.
Tra le istituzioni museali che hanno ospitato mostre personali di Giuseppe Stampone ricordiamo: CIAC, Foligno (2018); GAMeC, Bergamo (2014), Istituto Nazionale per la Grafica, Roma (2015), Palazzo Reale, Milano (2014).
Collabora con THE POOL NYC dal 2014 e questa è la prima personale con la galleria.
MARTEDÌ 27 GENNAIO 2026, ORE 18.30
INCONTRO CON FABIO CASTELLI
Nel corso della serata, Fabio Castelli dialogherà con Edward Rozzo, docente di Teorie Sociali all’università Bocconi di Milano, sul collezionismo e sulle motivazioni che spingono le persone a raccogliere opere d’arte.
L’appuntamento è una delle iniziative collaterali che accompagnano la mostra Il Bianco e Nero, secondo capitolo del progetto espositivo I TEMPI DELLO SGUARDO. 90 anni di fotografia italiana in due atti, in corso fino al 28 febbraio a THE POOL NY, in Palazzo Fagnani Ronzoni a Milano.
Martedì 27 gennaio 2026, alle ore 18.30, THE POOL NYC ospita il nuovo appuntamento con le iniziative collaterali che accompagnano il progetto espositivo dal titolo I tempi dello sguardo. 90 anni di fotografia italiana in due atti, in corso fino al 28 febbraio 2026, a Palazzo Fagnani Ronzoni a Milano.
Protagonista dell’incontro sarà Fabio Castelli, uno dei più importanti collezionisti italiani, soprattutto nel mondo della grafica e della fotografia.
Nel corso della serata, moderata da Edward Rozzo, docente di Teorie Sociali all’università Bocconi di Milano, Fabio Castelli, partendo dalla sua esperienza personale, si addentrerà ad approfondire le ragioni che spingono le persone a raccogliere opere d’arte e come il collezionismo promuova la conoscenza personale e dia significato alla vita.
I tempi dello sguardo. 90 anni di fotografia italiana in due atti, curata da THE POOL NYC, suddivisa in due capitoli dedicati ognuno a un tema particolare – il primo a Il Colore; il secondo a Il Bianco e Nero, in corso fino al 28 febbraio 2026– raccoglie un totale di 194 opere di 55 autori italiani e internazionali, che hanno scritto la storia della fotografia del Novecento.
Il titolo del progetto allude alla capacità degli artisti di segnare con il loro sguardo un’epoca, “un tempo” della nostra storia, e insieme invita a ritrovare il tempo – fuori dagli eccessi di produzione visiva di oggi – per riscoprire gli straordinari talenti che hanno reso unica, anche a livello internazionale, la fotografia italiana.
Mostra
IL BIANCO E IL NERO
I TEMPI DELLO SGUARDO. 90 anni di fotografia italiana in due atti
Milano, The Pool NYC | Palazzo Fagnani Ronzoni (Via Santa Maria Fulcorina, 20)
Fino al 28 febbraio 2026
Orari: da martedì a sabato, 11.oo-13.00 – 15.00 – 19.00.
Informazioni: info@thepoolnewyorkcity.com – +39 0284170524
IG: @thepoolnyc
Ufficio stampa
CLP Relazioni Pubbliche
Marta Pedroli | M. +39 347 4155017 | E. marta.pedroli@clp1968.it
+ 39 02 36755700 | www.clp1968.it
Si preannuncia come un progetto con molti aspetti di originalità, quello che THE POOL NYC presenta dall’8 ottobre 2025 al 28 febbraio 2026, in Palazzo Fagnani Ronzoni nel cuore più antico di Milano (via Santa Maria Fulcorina, 20), a partire dal format che prevede due mostre in momenti diversi ma consecutivi, riunite nel titolo I tempi dello sguardo. 90 anni di fotografia italiana in due atti.
L’iniziativa, curata da THE POOL NYC, suddivisa in due capitoli dedicati ognuno a un tema particolare – il primo a Il Colore; il secondo a Il Bianco e Nero – raccoglie un totale di 194 opere di 55 autori italiani e internazionali, che hanno scritto la storia della fotografia del Novecento.
Il titolo del progetto allude alla capacità degli artisti di segnare con il loro sguardo un’epoca, “un tempo” della nostra storia, e insieme invita a ritrovare il tempo – fuori dagli eccessi di produzione visiva di oggi – per riscoprire gli straordinari talenti che hanno reso unica, anche a livello internazionale, la fotografia italiana.
In ogni capitolo della mostra, gli autori italiani dialogheranno insieme a una straordinaria selezione di artisti internazionali, tra cui Horst P. Horst, Tracey Moffatt, William Klein, Wim Delvoye, creando insoliti e illuminanti accostamenti.
Il primo appuntamento, in programma dall’8 ottobre al 20 dicembre 2025 (inaugurazione martedì 7 ottobre, dalle 18.00 alle 21.00), propone le esperienze di quei maestri che hanno avuto nell’uso del colore una delle loro cifre più caratteristiche.
Nel percorso espositivo composto da 115 fotografie, si trovano, tra gli altri, le opere di Luigi Ghirri, maestro della luce e della quiete, di Giovanni Chiaramonteche si muove a Venezia per catturare i luoghi più nascosti della città, di FrancoFontana che proprio attraverso il colore plasma il paesaggio, dalle visioni urbane geometriche degli anni ’70 fino alla sensualità astratta della serie Piscina, ai paesaggi italiani trasfigurati in campi cromatici.
La mostra prosegue con Guido Guidi che fa della fotografia un atto di attesa, con Mario Schifano, irriverente e sperimentale, che opera con la stessa libertà creativa con cui ha interpretato la pittura, mentre Paolo Gioli, l’alchimista, pur partendo da materiale sensibile fotografico, lo considera una “materia” da plasmare e manipolare.
Se da un lato, Leonardo Genovese cattura frammenti di sogno attraverso una luce feroce e rivelatrice, la “controra” lucana, che incide i corpi e deforma le apparenze, Rita Lintz, invece, trasforma gli scarti in reliquie: gli stracci diventano tappeti e il rifiuto si fa bellezza.
Il primo atto della rassegna si completa con gli scatti di artisti internazionali, tra cui Denis Brihat, Wim Delvoye, Claus Goedicke, Béatrice Helg, John Hilliard, Tracey Moffatt, Jiang Zhi, Wang Qingsong.
Il secondo episodio – dal 16 gennaio al 28 febbraio 2026 (inaugurazione giovedì 15 gennaio) -, dedicato al Bianco e Nero, prende avvio dal Futurismo di Renato Di Bosso, seguito dal Neorealismo di Alfredo Camisa, passando per le sperimentazioni formali del primo Mario De Biasi, quindi approdando agli straordinari capitoli del realismo astratto e magico di Mario Giacomelli e Antonio Biasiucci, che insieme esplorano le tracce della cultura contadina nel sud Italia, dove riti e memorie diventano oggetto da interrogare, in un dialogo crudo e spirituale con l’identità collettiva.
Mario Giacomelli si presenta con un triplice racconto: i ritratti degli esordi parlano dell’uomo attraverso una luce primordiale; le nature morte diventano esercizi domestici di poesia visiva; i paesaggi si trasformano in scenari cosmici ricchi di segni.
Franco Vaccari trasforma il banale in significativo, il marginale in poetico, e il quotidiano in arte. La sua fotografia è un manifesto che anticipa molte delle riflessioni contemporanee sull’arte partecipativa, sulla fotografia come documento, e sull’identità collettiva.
Mario Cresci cattura l’essenza della memoria e dell’identità, con uno sguardo che attraversa paesaggi e interni popolari, traducendo in immagini le tracce sottili di culture sospese tra tradizione e mutamento. Luigi Erba lavora per ripetizione e variazione, costruendo griglie sottili in cui lo spazio si sfalda in segni minimi che rimandano a un reale ormai lontano.
Le opere di Andrea Galvani sono costruzioni concettuali che evocano freddezza e inquietudine; le sue immagini riflettono sull’ambivalenza dell’intelligenza e sull’ambiguità del male come struttura razionale.
Anche per questo secondo momento espositivo, si instaurerà un dialogo con fotografi internazionali, tra cui Elliott Erwitt, Jan Groover, Horst P. Horst, Michael Kenna, William Klein, Minor White.
Durante il periodo di apertura delle mostre, Palazzo Fagnani Ronzoni ospiterà una serie di eventi collaterali, come incontri, talk, presentazione di libri, serate a tema con artisti, storici e critici della fotografia.
ARTISTI:
Vincenzo Castella, Giovanni Chiaramonte, Cuchi White, Cosimo Di Leo Ricatto, Franco Fontana, Vittore Fossati, Andrea Galvani, Leonardo Genovese, Luigi Ghirri, Luca Gilli, Paolo Gioli, Claudio Gobbi, Guido Guidi, Luisa Lambri, Rita Lintz, Marcello Mariana, Brigitte Niedermair, Mario Schifano, Davide Tranchina, Luigi Veronesi, Marco Zanta, Denis Brihat, Wim Délvoye, Claus Goedike, Béatrice Helg, John Hilliard, Tracy Moffat, Jian Zhi, Wan Qingsong, Antonio Biasiucci, Alfredo Camisa, Giuseppe Cavalli, Franco Chiavacci, Mario Cresci, Mario De Biasi, Patrizia della Porta, Renato Di Bosso, Mario Dondero, Luigi Erba, Mario Giacomelli, Franco Grignani, Pino Musi, Enzo Obiso, Franco Vaccari, Luigi Veronesi, Egon Egone, Elliot Erwitt, Ralph Gibson, Arthur Gerlach, Jan Groover, Lucien Hervé, Horst P. Horst, Kennet Josephson, Michael Kenna, William Klein, Joost Schmidt, John Stewart, Silvio Wolf, Willy Zielke.
La fotografia anonima racconta il fascino degli Stati Uniti
Immagini selezionate da Francesca Malgara
Nel 1835, quattro anni prima che a Parigi venisse annunciata l’invenzione della fotografia, Ralph Waldo Emerson, filosofo e poeta americano, aveva predetto: «Our age is ocular». La nostra è l’età degli occhi, l’età dello sguardo che tutto vuole scoprire e conservare, da quando non solo è apparsa la fotografia, ma da quando nel 1888 George Eastman, fondatore dell’impero Kodak, ha reso la stessa fotografia alla portata di tutti. Democrazia della bellezza, democrazia del ricordo, democrazia dell’essere qui e ora. Le ottanta immagini anonime americane che la galleria THE POOL NYC presenta, e che sono state scelte da Francesca Malgara, raccontano lo straordinario sodalizio che dalla metà dell’Ottocento agli anni ’60 ha fatto della cultura degli Stati Uniti una cultura “ocular”, una festa quotidiana dove ogni volto, ogni corpo, ogni incontro, ogni sorriso, ogni impronta, ogni frontiera, ogni bacio è diventato immagine.
Da questa scioltezza visiva, da questa immaginazione costantemente all’erta, ma anche da questa innocenza che senza pretese artistiche registra la vita, nasce uno stile unico al mondo. Uno stile che si è nutrito di grande cinema hollywoodiano e che i grandi fotografi dagli anni ’50 agli anni ’70 hanno fatto loro. Nella ricchezza di riferimenti e di possibili citazioni THE POOL suggerisce un gioco: riconoscere in queste immagini anonime una possibile origine “colta”. Gli indizi sono moltissimi e, ispirandosi al principio dell’equivalent di Alfred Stieglitz, si possono intravedere tracce di Dorothea Lange, Walker Evans, Robert Frank, Diane Arbus, William Eggleston, Joel Peter Witkin, Mary Ellen Mark, Andy Warhol. Nel cielo infinito delle immagini cartacee, prodotte dalla fine dell’Ottocento all’avvento del digitale, le fotografie anonime sono immagini “equivalenti”, appunto, perché una fotografia anonima, spesso, è un piccolo capolavoro.
THE POOL NYC presents Tasso’s Game, a solo exhibition by Tristano di Robilant, a multifaceted artist who lives and works between Murano and Ripabianca, two places renowned for their glass and ceramic craftsmanship.
For the Milan exhibition, di Robilant showcases a collection of nine glass sculptures created in Murano at the Anfora furnace, along with a series of monotypes printed in Verona at the Berardinelli printmaking studio.
The exhibition’s title, Tasso’s Game, draws inspiration from Torquato Tasso’s life. The poet, in his wandering and tormented existence, sought refuge in the timeless stillness of a shaded cloister. Caught between his search for inner order and his longing for freedom, Tasso found solace in retreat—a space suspended between reality and imagination.
The verse “È lieta primavera”, from Rime d’amore, evokes an illusion of serenity and renewal, which is reflected in the delicacy and colors of di Robilant’s sculptures. Just as the poet longed for a place of peace and shadow, the artist’s works, despite their luminosity and lightness, carry a fragile soul, balanced between the visible and the invisible.
In this interplay of light and shadow, form and dissolution, the sculptures become what the artist himself describes as “emotional landscapes and imaginary architectures”. They emerge from a deep exploration of his inner world and an ongoing dialogue with the “double” that exists within us all. Each piece is a meditation on the nature of memory and imagination, an invitation to explore realms suspended between dream and reality.
Tristano’s sculptures are defined by harmonious yet enigmatic forms, floating in space, weightless and transparent. Glass is not merely a medium for him; it is a language in itself, capable of conveying transparency, fragility, and suspension. These elements are essential to understanding his artistic vision, which is built on a constant tension between the solidity of material and its apparent lightness.
Di Robilant’s creative process begins with an idea that quickly translates into a drawing—an instinctive, direct gesture that then takes three-dimensional form in the furnace. It is in this transformative moment, when fire animates the glass at its highest tension, that the artwork comes to life. The essence of his art lies in this balance between concept, form, and process, offering a unique sensory experience.
For over twenty years, the artist has collaborated with the Anfora furnace, first with master glassmake Andrea Zilio and now with Andrea Salvagno. This same artistic vision extends to the series of monotypes created in collaboration with the Berardinelli Art Printmaking Studio. These oil-based works on paper, derived from plexiglass matrices, evoke imaginary landscapes that mirror the fluidity of his glass forms. Once again, di Robilant’s focus on the construction of form and its relationship with space and light is evident—an homage to the lessons of architecture critic Reyner Banham, whom the artist studied under at the University of California, Santa Cruz.
SOLO EXHIBITIONS
2025 TASSO’S GAME, THE POOL NYC, Milano
2024 Tristano di Robilant: Milestones, Robilant+Voena, New York, USA
2023 Poets, Tristan Hoare Gallery, London, UK
Beyond the Water, Venice Glass Week, Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, Venice
2022 Galassie Peculiari, Museo della Ceramica Ettore e Marco Levi, Mondovì
2020 The window speaks to me, Venice Glass Week, Venice, Italy
2019 Youth, Tristan Hoare, London, UK
2018 Tarquinia, The National Exemplar, New York, USA
Gioventù, MUSINF, Senigallia, Italy
2017 Evento di Luce, Venice Glass Week, Museum of Palazzo Mocenigo, ItalyGLASS (with Hanno Otten), Priska Pasquier, Cologne, Germany
2016 Tristano di Robilant, Museum of Contemporary Art San Diego, USA
Tristano di Robilant, L’immaginazione e il suo doppio, Intragallery, Naples, Italy
2015 Teste, Galleria Alessandra Bonomo, Rome, Italy
2014 Parapetto (with Enzo Cucchi), The National Exemplar, New York, USA
2013 Forms (with Justin Adian), The National Exemplar, New York, USA
2012 White River, Faggionato Fine Art, London, UK
2011 Galleria Bonomo, Bari, Italy
2010 Water-Point, Faggionato Fine Art, London, UK
2009 Vetro, Galleria Valentina Bonomo, Bari, Italy
2007 Tristano di Robilant, Museo Boncompagni Ludovisi, Rome, Italy
2006 Dwight Hackett Projects, Santa Fe, New Mexico
2001 Sette sculture, Paolo Curti & Co., Milan, Italy
Tristano di Robilant, Annina Nosei Gallery, New York, USA
1998 Lance Fung Gallery, New York, USA
1993 Holly Solomon Gallery, New York, USA
SELECTED GROUP EXHIBITIONS
2023 Oblique Magie del Tempo, Museo Archeologico di Santa Scolastica, Bari, Italy
José Angelino e Tristano di Robilant, Galleria Alessandra Bonomo, Rome, Italy
2022 Oro e Arzento, THE POOL NYC, Palazzo Cesari Marchesi, Venezia
2019 Botanica, Tristan Hoare, London, UK
Il mestiere delle arti, Museo Nazionale di Ravenna, Ravenna, Italy
Venice Works, Beatrice Burati Anderson Art Space & Gallery, Venice, Italy
2018 Nuova terra antica, La Vallonea, Capalbio, Italy
2013 Ceramics, Rhona Hoffman Gallery, Chicago, Illinois, USA
2006 92nd Street Y Poets’ Theatre, New York, USA
2002 Welcome, Palazzo delle Esposizioni, Rome, Italy
1996 XII Quadriennale Nazionale d’Arte, Rome, Italy
COLLECTIONS
Museum of Contemporary Art San Diego, San Diego, USA
MAXXI Museum, Rome, Italy
Museo del Vetro, Murano, Italy
Buffalo AKG Art Museum, Buffalo, New York, USA
Sol LeWitt Collection, Hartford, Connecticut, USA
Maslow Collection, New York, USA
Hall Winery, Napa Valley, California, USA
Mark Getty Collection, Wormsley, Oxford, UK
THE POOL NYC is thrilled to present CLEMENTE-HALLEY-SCHNABEL, an exhibition that brings together three crucial figures of our times. The three artists were born within a year of each other and grew professionally in New York. Similar, different, distant and very close, they are undoubtedly among the major artists of the Contemporary Art Scene. We are very proud to present a series of works from 1986 to 2010.
New York is dangerous, subversive, misleading, erotic, very dirty, chaotic and extremely artistic. There is a smell of marijuana already on Houston Street, and it increases the further east you go. SoHo, NoHo, ABC, the Lower East Side are areas to avoid, because robberies, crime, weapons and drugs are the backdrop. Precisely at the stroke of the roaring 80s, with the aforementioned milieu, three artists who have little in common, both in terms of education and origin, breathe the contagious energy of what is the only true City in the Western world. I Love NY, but NY doesn’t love you goes a New York saying; and that’s right, everything you do happens because you earned it. There has always been a desire for art in the air, a desire for painting and colour, exuberance. Enough Minimal, enough Conceptual Art: let the figures, strong lines and bright colors return.
FRANCESCO CLEMENTE (Naples, 1952) is one of the protagonists of the Transavanguardia Movement. He lives and works between New York and India. His works are always connected to a travel itinerary, they refer to the cultural traditions of the country visited, they bring back the voices of distant lands, they are intertwined with the personal biography of the artist, feeding on the passions, desires and emotions that animate him.
In constant balance between a narrative and an imaginative dimension, he places the human figure at the center of his interests. The body as a border line that divides the inside from the outside becomes a tool for deepening oneself and for understanding the reality that surrounds it. Often the artist appears with eyes enlarged beyond measure or his body is subject to distortions and deformations. It is a way to observe oneself and others from different, unusual perspectives, a sort of documentation of the self whose continuous repetition does not define fragmentation or dispersion, but always represents a new rebirth.
In 1980 he moved to New York, where he collaborated with poets such as Allen Ginsberg and Robert Creeley, and with artists such as Jean-Michel Basquiat and Andy Warhol. Together with Raymond Foye he established the publishing company Hanuman Books, also becoming a member of the American Academy of Arts and Letters.
His works are exhibited in many prestigious museum collections around the world, including the Art Institute of Chicago, the Tate Gallery in London, the Kunstmuseum in Basel, the Solomon R. Guggenheim Museum in Bilbao and New York, the Metropolitan Museum of Art in New York and the Museum of Modern Art in New York.
PETER HALLEY (New York, 1953) graduated from Yale University, received his PhD from the University of New Orleans in 1978; lives and works in New York.
Peter Halley’s artistic research moves in the field of geometric abstraction and in his paintings square and rectangular shapes, defined by the artist as ‘cells’ or ‘prisons’, relate to each other through square-section ducts, representing the growing geometrization of the social space of the contemporary electronic technological world and inviting us to reflect on the effects of psychological pressure produced on human life. The minimalist geometry recalls electronic circuit boards and the intense and brilliant colors used – obtained thanks to the use of Day-Glo colors – refer to the waves of luminous flows produced by technological society. Peter Halley fits culturally into the process of evolution of abstract language starting from Cézanne, passing through Malevich, Mondrian, Albers and American minimalism – among which, first of all, Stella – also dialoguing with different languages, such as abstract expressionism.
Peter Halley has exhibited in the most important international galleries and museum institutions including: the Museum of Modern Art in New York, the CAPC Musée d’Art Contemporain in Bordeaux, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, the Stedelijk Museum in Amsterdam , the Dallas Museum of Art, the Folkwang Museum in Essen and the Butler Institute of American Art. Despite his success, Halley’s rigorous conceptualism has historically been better received in Europe. Halley has written and published texts on art and culture, addressing the themes of structuralism, post-modernism, and the digital revolution of the 1980s. In 2001, he received the Frank Jewett Mather Award from the College Art Association in the United States for his critical writing. He has taught at Columbia University, the University of California at Los Angeles and the School of Visual Arts. Hey was director of Graduate Studies in painting and printmaking at Yale University School of Art (2002-2011).
JULIAN SCHNABEL (Brooklyn, NY, 1951), lives and works in New York.
A graduate of the University of Houston, Julian had his first exhibition in 1979 at Mary Boone Gallery in New York. From that moment on it was a succession of successes, so much so that his works, from sculpture to painting, are exhibited in museums and collections all over the world, from the MOMA in New York to the Guggenheim in Bilbao, becoming a leading exponent of neo-expressionism.
Painter, sculptor and director, Julian Schnabel stands out for his astonishing metamorphic ability and the overwhelming expressive force that he communicates through his works. A talent born from painting that led him to explore more artistic fields and to try his hand at the world of cinema where he succeeded as an excellent director with the films Basquiat in 1996, or The Diving Bell and the Butterfly in 2007 (winner of the award for best director at the Cannes). Schnabel’s cinematographic production is closely related to his artistic production to the point that his films can be considered a natural continuation of his pictorial vein.
A journey through the wonders of the sea and
Anonymous Photography
Either one is a sailor or one is not
Joseph Conrad
THE POOL NYC presents a new chapter in its original exploration of Anonymous Photography and its masterpieces. On the occasion of Men’s Fashion Week, the gallery pays homage to the allure of sailors and their unparalleled, timeless elegance. In an installation of ninety anonymous photographs, from mid-19th century France to 1920s Italy, from New Deal America to 1950s Soviet Union, the exhibition tells the story of the eternal seduction of a male myth and the oceanic element in which it was born.
Virile yet graceful in poses that adapt to the flow of the waves, sparkling and smiling in uniforms that continue to inspire both men’s and women’s wardrobes, sailors used photography to freeze time and erase any distance. From the Atlantic to the Baltic Sea, from the Mediterranean to the Pacific, and up to the Black Sea, sailors have always photographed themselves everywhere: inseparable among buddies, during manoeuvres and chores, on the ship’s deck building muscles, on leave, just married outside the church, next to the statue of Garibaldi in a photo studio, and in the cabin of a photo booth just before sailing.
In a century of images and great horizons, from 1860 to 1960, this exhibition invites us to become sailors too, to wear the uniform of freedom and adventure, and to set off. After all, as Mark Twain said: “Twenty years from now you will be more disappointed by the things that you didn’t do than by the ones you did do. So throw off the bowlines. Sail away from the safe harbor. Explore. Dream. Discover.”
The exhibition features a second installation themed around the scientific and artistic exploration of the starfish. From the archives of the famous Station Biologique de Roscoff in Brittany, founded in 1872 and dedicated to exploring marine species, these anonymous images form an original corpus created in the early 1950s.
The enchantment lies not only in the beauty of the subject but also in the quality of the photographs, which bring us back to the extraordinary experience of Jean Painlevé (1902-1989), biologist, filmmaker, friend of Jean Vigo, Jacques-André Boiffard, and André Breton, and researcher at the Station Biologique de Roscoff. It was in Roscoff between the 1920s and 1930s that Painlevé created his famous photographic and cinematic recordings of starfish, octopuses, seahorses, shrimps, and sea urchins. An unexplored world, whose dreamlike and sensual power the Surrealists intuited, and it is no coincidence that Man Ray asked Painlevé for an excerpt of his recordings to include in the famous film L’étoile de mer (The Starfish) of 1928. A world, still, that comes back to us in an unpublished, hypnotic, and precious collection.
JUNE 4 -SEPTEMBER 29, 2024