Mongolia
Entanglements: Connectivities Across Borders
Commissioner: Commissioner Sainbayar Surenkhuu, Senior Advisor to the Minister of Culture, Sports, Tourism and Youth of Mongolia
Curators: Uranchimeg Tsultem, Thomas Eller
Exhibitors: Gerelkhuu Ganbold, Dorjderem Davaa, Nomin Bold, Tuguldur Yondonjamts
Venue: Squero Castello, Salizada Streta 368
Featuring multimedia works by four leading Mongolian contemporary artists – Nomin Bold, Gerelkhuu Ganbold, Tuguldur Yondonjamts and Dorjderem Davaa – the Mongolia Pavilion explores the historical and cultural entanglements across Eurasia, where the Mongols were important agents. Drawing on new scholarship in global art history, the pavilion reimagines Mongolia not as a fixed geography but as a dynamic space of exchange, inclusion, and transformation.
Set in Venice – home to 13th-century figures like Marco Polo and Pietro Veglione, who forged key alliances with the Mongols – the pavilion bridges imperial-era networks with today’s climate of division, offering a counter-narrative rooted in shared histories, cross-cultural thinking, and creative resilience.
The four artists, each a celebrated and a prominent voice in Mongolian contemporary art, explore shared themes and concepts, such as cyclicality of life and death, invisible realities, Eurasian mythologies, nomadic cosmologies with the focus on religious tolerance, material exchange, and the porous boundaries between humans, nonhumans and landscapes — values long embedded in Mongolian culture.
The pavilion contributes a vital voice to the Biennale’s theme highlighting Mongolian artists’ role in turbulent times for a connected world.
THE POOL NYC is happy to host HdM Gallery, presenting A Tangled Tale, the first solo exhibition of Marcel·la Barceló in Milan. Curated by Lucia Pesapane, the exhibition will be open from April 28th to May 8th.
A Tangled Tale
Water is key element in Marcel·la Barceló’s work. It flows through, seeps into and liquefies forms. A primordial, ambivalent and unstable, it serves both as visual motif and a conceptual principle that runs through her pictorial practice.
A source of life as much as a force of destruction, water is conceived as a matrix: we come from it, we carry it within us, and yet it remains an environment in which we cannot live.
This juxtaposition is fundamental to her.
In many cosmologies, water represents the primordial chaos from which the world materialises. Much of Marcel·la Barceló’s practice develops from this view. Her figures seem to emerge from an initial magma that she often compares to the birth of Venus as recounted by Hesiod: a mixture of foam, blood and semen.
Nothing is premeditated in her canvas: no preparatory sketches, no composition. Materials come together, blend, and clash. Stains spread, drips branch off, and chance takes the lead. Some shapes disappear; others endure. The painting becomes a field of metamorphoses where nothing is ever entirely static. This fluid approach is also evident in the brushwork. The rolling lines, curves and movements evoke the surface of water rippled by the wind. The depths of the sea interact with the infinity of the sky; foam and clouds seem to be part of the same shifting matter.
Everything is in flux.
Marcel·la Barceló thus explores the contrast where the spatiality of water meets that of dry land. This line of contact — horizon or shoreline— frequently appears in her paintings, but the artist does not merely depict it; on the contrary, she seeks to disrupt it. If the earth embodies the principles of stability and rationality, Marcel·la Barceló proposes to flood this conceptual framework and adopt a different perspective; to conceive of our relationship with the world not from the solidity of the earth, but from the fluidity of water – viewing the earth from the sea. On the surface of the water, the visible world refl cts and distorts into unstable images, merging with the invisible that swarms beneath the surface.
Like Narcissus confronting his own reflection, the viewer is drawn in. Invited to cross that iridescent surface and step into another world — the one hidden on the other side of the mirror, as imagined by Lewis Carroll, to whom the exhibition’s title, A Tangled Tale, pays homage. The short stories written between 1880 and 1885 by the British author and collected under this title are constructed as a series of puzzles to be unravelled, creating a labyrinthine narrative. This non-linear thinking is reflected in the artist’s universe, made up of networks and interweaving threads: a world that is both familiar and inaccessible, where every thread of one story becomes entangled with another, and where every story may become a puzzle.
But in Marcel·la Barceló’s Eden, unease never ceases. A line twists; a tree branch transforms into a vortex. A wolf lurks somewhere. Dragonflies and birds of enormous proportions appear, menacing.
Reality eventually cracks, and water can flow freely without restraint.
THE GLASS AQUARIUM
6 May-22 November 2026
Opening reception May 6th at 6 pm
Opening Hours: Thursday-Sunday 3-7 pm
and By Appointment
THE POOL NYC presents The Glass Aquarium, an exhibition dedicated to the great masters of glass: Lino Tagliapietra, Tristano di Robilant, Maria Grazia Rosin, and Dale Chihuly presented within Marriage of the Sea (Il Ratto di Venezia), a site-specific installation by Austin Young at Palazzo Cesari Marchesi. Originally conceived for Venice in 2024, Marriage of the Sea continues to transform the piano nobile into an immersive environment, forming the spatial and conceptual framework within which the exhibition is presented.
The exhibition is set to be a celebration of artists working in glass. Tagliapietra and Chihuly, have worked together, creating unprecedented forms and techniques born from the genius of both minds. Two world-renowned masters, they continue to inspire younger generations.
From the next generation in the global glass scene, Maria Grazia Rosin and Tristano di Robilant are essential presences. Maria Grazia brings creatures of the deep into domestic spaces, hanging or resting on tables, working with extraordinary mastery in opaline glass, mirrored surfaces, and all the chromatic mysteries that Murano glass can offer.
Tristano speaks through poetry and literature with his siliceous forms. Together with Maestro Zilio, he translates ideas from his mind into drawings that are then brought to life in a single breath.
Lino Tagliapietra, an undisputed master based in Murano, blows glass into masterpieces without sketches or plans, guided purely by breath and mind. He participates with a work that is a hymn to color: shifting brushstrokes of yellow, like the moment you enter underwater and the marine world welcomes you with a light that seems switched on.
Maria Grazia Rosin, a master of rock-like, pulsating, mirrored forms inspired by octopuses, cuttlefish, and deep-sea creatures, remains deeply attentive to the environment that hosts her work, placing it with grace and sensitivity in complete harmony with the palace.
Tristano di Robilant’s sculptures are characterized by harmonious yet enigmatic forms, suspended in space, light and transparent. These elements are essential to understanding the artist’s poetics, which is rooted in a constant tension between the solidity of matter and its apparent weightlessness. Tristano’s creative process begins with an idea that is immediately translated into a drawing, a spontaneous, direct gesture that then takes three-dimensional form in the furnace.
Dale Chihuly, participates with Seaforms, works inspired by marine forms, light and transparency—spirals of color that reveal layered, rhythmic, and flowing structures.
Marriage of the Sea (Il Ratto di Venezia) is a site-specific installation by Austin Young that transforms the piano nobile of Palazzo Cesari Marchesi into an immersive, image-based environment. Drawing from Venetian decorative traditions and allegorical painting, the work presents a layered and kaleidoscopic vision of the city, composed from the artist’s original photographs and archival imagery. Rather than functioning as a backdrop, the installation itself defines the spatial and conceptual framework of the Palazzo, within which The Glass Aquarium is presented. Printed textile surfaces and sheer drapery, composed from the artist’s imagery, activate the architecture, producing a shifting and immersive environment that reconfigures the viewer’s perception of the space.
THE POOL NYC
Palazzo Cesari Marchesi
Calle Rombiasio, 2539
Campo Santa Maria del Giglio
30124 Venezia
thepoolnewyorkcity.com
info@thepoolnewyorkcity.com
@thepoolnyc
Opening Reception: May 6th 6-9 pm
Dates: 6 May-22 November 2026
Opening Hours: Thursday-Sunday 3-7 pm
and By Appointment
+393337891947
+393356251723
THE POOL NYC presents Morbide Macchine Silicee, Maria Grazia Rosin’s first solo exhibition in Milan.
Conceived as a dynamic and intermittent project, it unfolds from April 9th to July 16th, 2026, at Palazzo Fagnani Ronzoni, with a format structured around two solo exhibitions presented at different times.
The first act, conceived as a flash mob in support of glass, opens on April 8th and runs through April 17th.
Rosin revisits her monumental work Gelatine Lux, originally shown at the Museo Fortuny in 2007, sharing with the public the idea that glass can never be fully controlled. In doing so, she reveals its expressive autonomy and seductive force, shaped through principles of flexibility and modulation. This silicon-based material takes form through continuous motion, retaining a component that is never entirely static.
From May 20th to July 16th, the second act of Maria Grazia Rosin’s solo exhibition unfolds, celebrating glass also in its more domestic and ironic dimension.
The installation Gelatine Lux is conceived as a single, large living organism made of water, with bioluminescent alien forms that function as its nervous system.
These creatures take on primitive, timeless biomorphic shapes, evoking oceanic depths and extraterrestrial outer space. They are immersed in an accelerated, fluid motion—like water, plankton, cosmic dust, and suspended particles.
Morbide Macchine Carnivore is presented directly from the Island of San Francesco del Deserto to the heart of the 5 Vie district.
Organic and artificial creatures, inspired by long, sinewy insect-like legs, embody genetic mutations unfolding in the Venetian lagoon. What we see is only the emergent part of beings that have developed under new and extreme ecological conditions. Iridescent green limbs, marked by altered genetic traits, extend from the water, suggesting bodies concealed from view—submerged and partially sunken into the mire.
New works, yet drawn from the Tentacular series, beginning with the octopus, the Venthusiani are modular elements, precious and ever-shifting, in which marine forms and suggestions merge without functional constraints.
The exhibition, animated by the light of Murano and the Venetian Lagoon, also speaks through the photographs of Mario Cresci and Roberta Orio. Cresci, through his abstract images, captures Rosin’s imaginative installation at Palazzo Fortuny, while Orio traces the conceptual and creative development of the Water Art project Morbide Macchine Carnviore.
The exhibition will be accompanied by a critical text by Grazia Quaroni.
Why the sky above belongs to everyone,
and the earth below doesn’t?
The sky belongs to every eye,
and if it likes, each and every one,
can view the moon entirely,
the stars, the comets and the sun.
Every eye can view everything
and nothing is ever lacking there:
the last one who looks at the sky
does not find it less shining.
So please explain to me,
in prose or even verses,
why the sky is only one
and the Earth is all in pieces.
The nursery rhyme “The sky belongs to everyone” by Gianni Rodari inspires Giuseppe Stampone’s solo exhibition at THE POOL NYC gallery in Milan.
Why the sky above belongs to everyone, and the earth below doesn’t?, ironic title, stresses on a view of the sky, imagined as a free space compared to the earth, inhabited by man and therefore divided into private lots. In fact, the sky, which in a less poetic way is called airspace, belongs to the states and is managed accordingly. Dominus soli est dominus usque ad sidera et usque ad inferos (the owner of the land is owner to the underworld and up to the stars) is stated in a Roman Law maxim, slightly mitigated in article 840 of the Italian Civil Code.
If you look in a more attentive way, perhaps with a telescope, you realize that the sky goes even beyond the air routes and that includes the orbits of the satellites, that are occupied, in the sense of occupatio rei nullius (occupation of the nobody’s thing: nobody’s or everybody’s ?) of Roman law, by rich countries to the detriment of the poorest ones. The latter, as of today, do not have the technologies to exploit them. Certainly they will soon have no more available sky.
With this exhibition, Giuseppe Stampone revolutionizes the sky, regenerates it, creates a new one, without political constraints, boundaries, rules: he frees the oil on the foam, chases and lets the blue flow, creator, make up of a new independent firmament. Stampone gives dimension, length, width, density, gives shape to the desire for freedom of man.
The artist shows us another sky, allowing us to buy some of the freedom we see when we look upwards, allowing the viewer to take home a fragment.
The freedom of the great spaces, of the deserts that are not only those of sand but also of water, the oceans, and of air, the sky.
In Giuseppe Stampone’s sky you can abandon yourself without asking for permissions, protocols, or authorizations. You do not need passports to travel in the Stampone’s skies that are free from geopolitical canons.
Man by right is the owner of the sky, but he does not notice that it is taken away from him. Thanks to art we make a sky that belongs to us, a swish of wings that are freed in the painted blue, an absence of borders, walls, customs, absolute freedom, infinite possibilities.
Stampone underlines the importance of the performative gesture with oil painting, intended as a liberating act that allows us to reflect on the current issue of spatial georeferencing.
If it is true that the earth tends to lose its diversity, we risk that the sky reflects the earth more and more.
As in every new project, the artist creates the architecture of intelligence, a participatory platform, where he unites mind, body and space, mind, body and network. In this case his network, as he has been doing for years, is made up of artists who share their work and participate in a common project. In a globalized and homologated era the uniqueness of each identity becomes indispensable to recreate a world that is both shared and unique.
For Why the sky above belongs to everyone, and the earth below doesn’t? Giuseppe Stampone asked Paola Angelini, Luigi Carboni, Fabrizio Cotognini, Matteo Fato, Ugo La Pietra, Maria Morgagni, Marco Neri, Paolo Parisi, Alfredo Pirri, Eugenio Tibaldi, Gian Maria Tosatti, giving spatial coordinates (30×40 cm), to create a possible sky.
Giuseppe Stampone, 1974, Cluses, France Lives and works between Bruxelles and Rome. Giuseppe Stampone alternates drawings made with BIC ballpoint pen and multimedia installations. His art is a form of political protest and invites the public to reflect on fundamental issues such as immigration, water shortage and war. He established solstizio.org, co-funded by the European Union and developed in various countries, based on artistic interventions in which the new generations deal with global contemporary issues such as environment, social conflicts and sustainable economies. In Solstizio Stampone realized several installations in public spaces with the participation of 30,000 citizens of ten different nations. He collaborates with a number of universities such as the Academy of Fine Arts in Urbino, IULM in Milan, the Federico II University of Naples and the McLuhan Program in Culture and Technology in Toronto. From 2017 he is an Affiliated Fellow of the Civitella Ranieri Foundation of New York and from 2013 of the American Academy of Rome. His work has been exhibited in several Biennials, museums and international foundations including: Architecture Biennial of Seoul, South Korea (2017); Triennale of Ostend, Belgium (2017); 56th International Art Biennale of Venice, Cuban National Pavilion (2015); Biennale of Kochi-Muziris, Kerala, India (2012); 11th Biennial of Havana, Cuba (2012); Liverpool Biennial, UK (2010); 14th and 15th Rome Quadrennial (2004-2008); Fuori Uso, Pescara; Kunsthalle Museum of Art in Gwangju, South Korea; BASE, Florence; Wilfredo Lam Contemporary Art Center in Havana, Cuba; MAXXI, Rome; MACRO, Rome; Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin; Triennale Bovisa, Milan; The Invisible Dog Art Center, Brooklyn, NYC. Giuseppe Stampone’s solo exhibitions in museums include: CIAC, Foligno (2018); GAMeC, Bergamo (2014), National Institute for Graphics, Rome (2015), Palazzo Reale, Milan (2014).
Since 2014 THE POOL NYC has presented his work in several group exhibitions, and this is the first solo show with the gallery.
PERCHÉ IL CIELO È DI TUTTI E LA TERRA NO?
Il cielo è di tutti gli occhi,
e ogni occhio, se vuole,
si prende la Luna intera,
le stelle comete, il sole.
Ogni occhio si prende ogni cosa
e non manca mai niente:
chi guarda il cielo per ultimo
non lo trova meno splendente.
Spiegatemi voi dunque,
in prosa o in versetti,
perché il cielo è uno solo
e la Terra è tutta a pezzetti.
La filastrocca “Il cielo è di tutti” di Gianni Rodari ispira la mostra personale di Giuseppe Stampone negli spazi di THE POOL NYC a Milano.
Perché il Cielo è di tutti e la terra no?, titolo ironico, pone l’accento su una visione del cielo, immaginato come spazio libero rispetto alla terra, abitata dall’uomo e per questo divisa in spazi privati. Infatti il cielo, che in maniera meno poetica viene chiamato spazio aereo, appartiene agli stati e da questi è gestito. Dominus soli est dominus usque ad sidera et usque ad inferos (il proprietario del suolo è proprietario fino agli inferi e fino alle stelle) recitava un brocardo di diritto romano, recepito in modo più mite dall’articolo 840 del Codice Civile.
A ben guardare, magari con un telescopio, ci si accorge che il cielo va anche al di là delle rotte aeree e che comprende le orbite dei satelliti occupate, nel senso della occupatio rei nullius (occupazione della cosa di nessuno: di nessuno o di tutti?) del diritto romano, da paesi ricchi a discapito di quelli più poveri. Questi ultimi non hanno le tecnologie per occuparle. Certamente presto non avranno più cielo disponibile.
Con questa mostra, Giuseppe Stampone rivoluziona il cielo, lo rigenera, ne crea uno nuovo, autonomo da costrizioni politiche, da confini, da regole: libera l’olio sulla gommapiuma, rincorre e lascia scorrere il blu, creatore, compone un firmamento nuovo e indipendente. Stampone dà dimensione, lunghezza, larghezza, densità, dà forma al desiderio di libertà dell’uomo.
L’artista ci mostra un altro cielo, lascia che sia possibile acquistare un po’ di quella libertà che vediamo quando guardiamo verso l’alto, consentendo allo spettatore di portarsene a casa un frammento.
La libertà dei grandi spazi, dei deserti che non sono solo quelli di sabbia ma anche di acqua, gli oceani, e di aria, il cielo.
Al cielo di Giuseppe Stampone, libero da canoni geopolitici, ci si può abbandonare senza chiedere permessi, protocolli, o autorizzazioni.
L’uomo per diritto è proprietario del cielo, ma senza che se ne accorga questo gli viene tolto. Grazie all’arte ci riappropriamo di un cielo che ci spetta, un’assenza di confini, mura, dogane, libertà assoluta, infinite possibilità.
Stampone sottolinea l’importanza del gesto performativo a olio, inteso come atto liberatorio che consente di riflettere sull’attuale questione della georeferenziazione spaziale. Se è vero che la terra tende a perdere le sue diversità, rischiamo che il cielo rifletta sempre di più la terra.
Come in ogni suo nuovo progetto, l’artista crea l’architettura dell’intelligenza, una piattaforma partecipativa, dove unisce mente, corpo e spazio, mente, corpo e network. In questo caso il suo network, come fa da anni, è formato da artisti a cui chiede una formalizzazione partecipativa da condividere. Per Stampone la pratica della partecipazione è una fase determinante della ricerca per creare e discutere di contenuti dove l’io di ogni singolo artista diventa Noi, ma dove il Noi non annulla l’identità del singolo e ogni artista condivide il proprio diario intimo. Per Stampone un network è un’area di interesse dove ci si riconosce e quindi si decide di pubblicare il proprio diario. In un’era globalizzata e omologata l’unicità di un’identità di un io diventa indispensabile per ricreare una cosmologia condivisa e unica nella sua rappresentazione.
Per Perché il Cielo è di tutti e la terra no? Giuseppe Stampone ha chiesto a Paola Angelini, Luigi Carboni, Fabrizio Cotognini, Matteo Fato, Ugo La Pietra, Maria Morgagni, Marco Neri, Paolo Parisi, Alfredo Pirri, Eugenio Tibaldi, Gian Maria Tosatti, dando coordinate spaziali (30×40 cm), di creare un cielo possibile.
Giuseppe Stampone, 1974, Cluses, Francia.
Vive e lavora tra Bruxelles e Roma
La produzione artistica di Giuseppe Stampone alterna disegni fatti con la penna Bic e installazioni multimediali. La sua arte è una forma di protesta politica ed invita il pubblico a riflettere su temi fondamentali come l’immigrazione, l’acqua e la guerra. Ha fondato il network solstizioproject.org, co-finanziato dall’Unione Europea e sviluppato in vari Paesi, basato su interventi artistici in cui le nuove generazioni trattano temi contemporanei globali come l’ambiente, i conflitti sociali e le economie sostenibili. In Solstizio Stampone ha realizzato varie installazioni artistiche in spazi pubblici con la partecipazione di 30.000 cittadini di dieci diverse nazioni. Collabora con varie Università come l’Accademia di Belle Arti di Urbino, lo IULM a Milano, l’Università Federico II di Napoli e il McLuhan Program in Culture and Technology di Toronto. Dal 2017 è Fellow della Civitella Ranieri Foundation di New York e dal 2013 della American Academy di Roma. Il suo lavoro è stato esposto in diverse Biennali, musei e fondazioni internazionali tra cui: Biennale di Architettura di Seoul, Corea del Sud (2017); Triennale di Ostenda, Belgio (2017); 56ma Biennale Internazionale d’Arte di Venezia, Padiglione Nazionale Cubano (2015); Biennale di Kochi-Muziris, Kerala, India (2012); 11ma Biennale de L’Avana, Cuba (2012); Biennale di Liverpool, UK (2010); 14ma e 15ma Quadriennale di Roma (2004–2008); Fuori Uso, Pescara; Museo dell’Arte Kunsthalle di Gwangju, Corea del Sud; BASE, Firenze; Wilfredo Lam Contemporary Art Center di L’Avana, Cuba; MAXXI, Roma; MACRO, Roma; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Triennale Bovisa, Milano; The Invisible Dog Art Center, Brooklyn, NYC.
Tra le istituzioni museali che hanno ospitato mostre personali di Giuseppe Stampone ricordiamo: CIAC, Foligno (2018); GAMeC, Bergamo (2014), Istituto Nazionale per la Grafica, Roma (2015), Palazzo Reale, Milano (2014).
Collabora con THE POOL NYC dal 2014 e questa è la prima personale con la galleria.
MARTEDÌ 27 GENNAIO 2026, ORE 18.30
INCONTRO CON FABIO CASTELLI
Nel corso della serata, Fabio Castelli dialogherà con Edward Rozzo, docente di Teorie Sociali all’università Bocconi di Milano, sul collezionismo e sulle motivazioni che spingono le persone a raccogliere opere d’arte.
L’appuntamento è una delle iniziative collaterali che accompagnano la mostra Il Bianco e Nero, secondo capitolo del progetto espositivo I TEMPI DELLO SGUARDO. 90 anni di fotografia italiana in due atti, in corso fino al 28 febbraio a THE POOL NY, in Palazzo Fagnani Ronzoni a Milano.
Martedì 27 gennaio 2026, alle ore 18.30, THE POOL NYC ospita il nuovo appuntamento con le iniziative collaterali che accompagnano il progetto espositivo dal titolo I tempi dello sguardo. 90 anni di fotografia italiana in due atti, in corso fino al 28 febbraio 2026, a Palazzo Fagnani Ronzoni a Milano.
Protagonista dell’incontro sarà Fabio Castelli, uno dei più importanti collezionisti italiani, soprattutto nel mondo della grafica e della fotografia.
Nel corso della serata, moderata da Edward Rozzo, docente di Teorie Sociali all’università Bocconi di Milano, Fabio Castelli, partendo dalla sua esperienza personale, si addentrerà ad approfondire le ragioni che spingono le persone a raccogliere opere d’arte e come il collezionismo promuova la conoscenza personale e dia significato alla vita.
I tempi dello sguardo. 90 anni di fotografia italiana in due atti, curata da THE POOL NYC, suddivisa in due capitoli dedicati ognuno a un tema particolare – il primo a Il Colore; il secondo a Il Bianco e Nero, in corso fino al 28 febbraio 2026– raccoglie un totale di 194 opere di 55 autori italiani e internazionali, che hanno scritto la storia della fotografia del Novecento.
Il titolo del progetto allude alla capacità degli artisti di segnare con il loro sguardo un’epoca, “un tempo” della nostra storia, e insieme invita a ritrovare il tempo – fuori dagli eccessi di produzione visiva di oggi – per riscoprire gli straordinari talenti che hanno reso unica, anche a livello internazionale, la fotografia italiana.
Mostra
IL BIANCO E IL NERO
I TEMPI DELLO SGUARDO. 90 anni di fotografia italiana in due atti
Milano, The Pool NYC | Palazzo Fagnani Ronzoni (Via Santa Maria Fulcorina, 20)
Fino al 28 febbraio 2026
Orari: da martedì a sabato, 11.oo-13.00 – 15.00 – 19.00.
Informazioni: info@thepoolnewyorkcity.com – +39 0284170524
IG: @thepoolnyc
Ufficio stampa
CLP Relazioni Pubbliche
Marta Pedroli | M. +39 347 4155017 | E. marta.pedroli@clp1968.it
+ 39 02 36755700 | www.clp1968.it
Si preannuncia come un progetto con molti aspetti di originalità, quello che THE POOL NYC presenta dall’8 ottobre 2025 al 28 febbraio 2026, in Palazzo Fagnani Ronzoni nel cuore più antico di Milano (via Santa Maria Fulcorina, 20), a partire dal format che prevede due mostre in momenti diversi ma consecutivi, riunite nel titolo I tempi dello sguardo. 90 anni di fotografia italiana in due atti.
L’iniziativa, curata da THE POOL NYC, suddivisa in due capitoli dedicati ognuno a un tema particolare – il primo a Il Colore; il secondo a Il Bianco e Nero – raccoglie un totale di 194 opere di 55 autori italiani e internazionali, che hanno scritto la storia della fotografia del Novecento.
Il titolo del progetto allude alla capacità degli artisti di segnare con il loro sguardo un’epoca, “un tempo” della nostra storia, e insieme invita a ritrovare il tempo – fuori dagli eccessi di produzione visiva di oggi – per riscoprire gli straordinari talenti che hanno reso unica, anche a livello internazionale, la fotografia italiana.
In ogni capitolo della mostra, gli autori italiani dialogheranno insieme a una straordinaria selezione di artisti internazionali, tra cui Horst P. Horst, Tracey Moffatt, William Klein, Wim Delvoye, creando insoliti e illuminanti accostamenti.
Il primo appuntamento, in programma dall’8 ottobre al 20 dicembre 2025 (inaugurazione martedì 7 ottobre, dalle 18.00 alle 21.00), propone le esperienze di quei maestri che hanno avuto nell’uso del colore una delle loro cifre più caratteristiche.
Nel percorso espositivo composto da 115 fotografie, si trovano, tra gli altri, le opere di Luigi Ghirri, maestro della luce e della quiete, di Giovanni Chiaramonteche si muove a Venezia per catturare i luoghi più nascosti della città, di FrancoFontana che proprio attraverso il colore plasma il paesaggio, dalle visioni urbane geometriche degli anni ’70 fino alla sensualità astratta della serie Piscina, ai paesaggi italiani trasfigurati in campi cromatici.
La mostra prosegue con Guido Guidi che fa della fotografia un atto di attesa, con Mario Schifano, irriverente e sperimentale, che opera con la stessa libertà creativa con cui ha interpretato la pittura, mentre Paolo Gioli, l’alchimista, pur partendo da materiale sensibile fotografico, lo considera una “materia” da plasmare e manipolare.
Se da un lato, Leonardo Genovese cattura frammenti di sogno attraverso una luce feroce e rivelatrice, la “controra” lucana, che incide i corpi e deforma le apparenze, Rita Lintz, invece, trasforma gli scarti in reliquie: gli stracci diventano tappeti e il rifiuto si fa bellezza.
Il primo atto della rassegna si completa con gli scatti di artisti internazionali, tra cui Denis Brihat, Wim Delvoye, Claus Goedicke, Béatrice Helg, John Hilliard, Tracey Moffatt, Jiang Zhi, Wang Qingsong.
Il secondo episodio – dal 16 gennaio al 28 febbraio 2026 (inaugurazione giovedì 15 gennaio) -, dedicato al Bianco e Nero, prende avvio dal Futurismo di Renato Di Bosso, seguito dal Neorealismo di Alfredo Camisa, passando per le sperimentazioni formali del primo Mario De Biasi, quindi approdando agli straordinari capitoli del realismo astratto e magico di Mario Giacomelli e Antonio Biasiucci, che insieme esplorano le tracce della cultura contadina nel sud Italia, dove riti e memorie diventano oggetto da interrogare, in un dialogo crudo e spirituale con l’identità collettiva.
Mario Giacomelli si presenta con un triplice racconto: i ritratti degli esordi parlano dell’uomo attraverso una luce primordiale; le nature morte diventano esercizi domestici di poesia visiva; i paesaggi si trasformano in scenari cosmici ricchi di segni.
Franco Vaccari trasforma il banale in significativo, il marginale in poetico, e il quotidiano in arte. La sua fotografia è un manifesto che anticipa molte delle riflessioni contemporanee sull’arte partecipativa, sulla fotografia come documento, e sull’identità collettiva.
Mario Cresci cattura l’essenza della memoria e dell’identità, con uno sguardo che attraversa paesaggi e interni popolari, traducendo in immagini le tracce sottili di culture sospese tra tradizione e mutamento. Luigi Erba lavora per ripetizione e variazione, costruendo griglie sottili in cui lo spazio si sfalda in segni minimi che rimandano a un reale ormai lontano.
Le opere di Andrea Galvani sono costruzioni concettuali che evocano freddezza e inquietudine; le sue immagini riflettono sull’ambivalenza dell’intelligenza e sull’ambiguità del male come struttura razionale.
Anche per questo secondo momento espositivo, si instaurerà un dialogo con fotografi internazionali, tra cui Elliott Erwitt, Jan Groover, Horst P. Horst, Michael Kenna, William Klein, Minor White.
Durante il periodo di apertura delle mostre, Palazzo Fagnani Ronzoni ospiterà una serie di eventi collaterali, come incontri, talk, presentazione di libri, serate a tema con artisti, storici e critici della fotografia.
ARTISTI:
Vincenzo Castella, Giovanni Chiaramonte, Cuchi White, Cosimo Di Leo Ricatto, Franco Fontana, Vittore Fossati, Andrea Galvani, Leonardo Genovese, Luigi Ghirri, Luca Gilli, Paolo Gioli, Claudio Gobbi, Guido Guidi, Luisa Lambri, Rita Lintz, Marcello Mariana, Brigitte Niedermair, Mario Schifano, Davide Tranchina, Luigi Veronesi, Marco Zanta, Denis Brihat, Wim Délvoye, Claus Goedike, Béatrice Helg, John Hilliard, Tracy Moffat, Jian Zhi, Wan Qingsong, Antonio Biasiucci, Alfredo Camisa, Giuseppe Cavalli, Franco Chiavacci, Mario Cresci, Mario De Biasi, Patrizia della Porta, Renato Di Bosso, Mario Dondero, Luigi Erba, Mario Giacomelli, Franco Grignani, Pino Musi, Enzo Obiso, Franco Vaccari, Luigi Veronesi, Egon Egone, Elliot Erwitt, Ralph Gibson, Arthur Gerlach, Jan Groover, Lucien Hervé, Horst P. Horst, Kennet Josephson, Michael Kenna, William Klein, Joost Schmidt, John Stewart, Silvio Wolf, Willy Zielke.
La fotografia anonima racconta il fascino degli Stati Uniti
Immagini selezionate da Francesca Malgara
Nel 1835, quattro anni prima che a Parigi venisse annunciata l’invenzione della fotografia, Ralph Waldo Emerson, filosofo e poeta americano, aveva predetto: «Our age is ocular». La nostra è l’età degli occhi, l’età dello sguardo che tutto vuole scoprire e conservare, da quando non solo è apparsa la fotografia, ma da quando nel 1888 George Eastman, fondatore dell’impero Kodak, ha reso la stessa fotografia alla portata di tutti. Democrazia della bellezza, democrazia del ricordo, democrazia dell’essere qui e ora. Le ottanta immagini anonime americane che la galleria THE POOL NYC presenta, e che sono state scelte da Francesca Malgara, raccontano lo straordinario sodalizio che dalla metà dell’Ottocento agli anni ’60 ha fatto della cultura degli Stati Uniti una cultura “ocular”, una festa quotidiana dove ogni volto, ogni corpo, ogni incontro, ogni sorriso, ogni impronta, ogni frontiera, ogni bacio è diventato immagine.
Da questa scioltezza visiva, da questa immaginazione costantemente all’erta, ma anche da questa innocenza che senza pretese artistiche registra la vita, nasce uno stile unico al mondo. Uno stile che si è nutrito di grande cinema hollywoodiano e che i grandi fotografi dagli anni ’50 agli anni ’70 hanno fatto loro. Nella ricchezza di riferimenti e di possibili citazioni THE POOL suggerisce un gioco: riconoscere in queste immagini anonime una possibile origine “colta”. Gli indizi sono moltissimi e, ispirandosi al principio dell’equivalent di Alfred Stieglitz, si possono intravedere tracce di Dorothea Lange, Walker Evans, Robert Frank, Diane Arbus, William Eggleston, Joel Peter Witkin, Mary Ellen Mark, Andy Warhol. Nel cielo infinito delle immagini cartacee, prodotte dalla fine dell’Ottocento all’avvento del digitale, le fotografie anonime sono immagini “equivalenti”, appunto, perché una fotografia anonima, spesso, è un piccolo capolavoro.